映像を観るために「集う」場所。コロナ禍における映画館として「集いの風景」について考えを巡らせた物語です。

集うことの意味

これはJR熊本駅前に新築されるアミュプラザの７階につくられる松竹マルチプレックスシアターズの映画館、熊本ピカデリーの共用スペース内装計画です。コンペを経て、紆余曲折、基本プランが成り立ちましたが、2020年の初頭、最終提案の最中にコロナ禍となり、『集う』ことが制限され始め、映画館というプログラムそのものにも懐疑的な時代が到来しました。

もともと映画館は、木箱をのぞき込むように映像を観る「キネトスコープ」という機械が陳列されている施設に起源し、人と映像が1対1という関係から始まります。時を経て、技術の進化により、大画面のスクリーンのなか、人と映像が1対多数という関係が主流となりましたが、コロナ禍によって拍車がかったサブスクリプション媒体の普及に伴った2020年代、人と映像は、改めて1対1の関係性を築こうとしているように感じていました。そのような時代、映像を観るために『集う』場所、についてどんな可能性があるのか、その本質は何なのか、それをインテリアとしてどう解いてゆくべきか、ということがおおきな問い＝コンセプトとなっていきました。そうして、わたしたちは『集いの風景』について考えを巡らすようになりました。

集いの風景

振り返ると、骨格となる躯体を観察することから、インテリアと映画館を考え始めたように思います。駅ビルの商業施設テナントとして計画されるため、敷地（テナントエリア）には、大規模建築の屈強な柱と梁による構造フレームも異常なスケールで聳え立ち、その大空間を支えていました。もちろんその躯体たちを消すことはできませんが、堂々と存在させることも違う気がしました。その躯体をより身近に感じていただくことが心地よいだろうし、永く市民に愛される映画館になるだろうと思いました。ですから、来館者の居場所が躯体に寄り添えるように、と計らって、いくつかのダミーとともに、空間ボリュームをつくって平面計画をしてゆきました。

また、大規模施設の天井面には、空調、換気、照明、消防設備など、たくさんの雑物がひしめき合っています。そこで、たくさんの必要設備をレイヤー毎に重ねてゆき、微調整しながら平面計画と同じように、天井平面のボリュームを見いだしてゆきました。床面のテクスチャには、来館者の往来に耐えるように磁気質タイルを採用し、芋目地と馬目地をミックスしながら、来館者が溜まりそうなところと動線となりそうなところを微かに規定することで、集いかたをやわらかくコントロールする目印としました。そして、そのボリュームが様々な雑物を絡め纏っていくのが、次なる設計の展開です。

映画館に集うものは来館者だけではありません。たくさんの目を引く広告物が主張、点在される傾向にあります。映画館ですので、もちろんそのような娯楽的要素は必須ですが、映画を観ることは、本来、知的欲求や好奇心を満たす、文化的な行為です。それは博物館や美術館でのふるまいに近いと思います。そのように映画館も文化的な尺度で整える、と考えた結果、美術館の規律ある展示のように、広告たちはやんわりとあらかじめ位置を限定させて、そのボリュームに馴染ませることを心がけました。

モノクロ映画のような色彩については、『ピカデリー』のブランドカラーである白と、熊本の風土の色である黒を挿し色として使用することが要望でした。それには『白いボリュームに穿たれた黒』という「かた」をつくりました。結果的に、映画館に集う、建築躯体、設備、インテリア、広告などの諸要素を等価に扱うこととなり、ボリュームのなかに、隠したり、目立たせたりと、バランスよく絡まり合うよう、前述した諸要素を黒い背景のなかに浸透させてゆきました。

モノクロームの風景には、来館者をはじめ、設備や広告媒体の集う風景が、賑やかしく鮮やかに寄り添い合い、そのまわりには純白の空間が余白として、ふわりと浮かびあがるようなことを期待していますが、その結果は、館の日常の風景に映りこむのだろうと、愉しみにしています。

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The Meaning of Gathering

The competition took many twists and turns, and the basic plan was established, but during the final proposal process, the Corona Disaster occurred, and “gathering” began to be restricted. Originally, movie theaters were facilities with a kinetoscope, a machine to view images through a peephole, and the relationship between people and images began as a one-to-one relationship. In the 2020s, with the spread of Corona, subscriptions, etc., I felt that people and images were once again trying to build a one-to-one relationship. In such an era, what are the possibilities for places to “gather” to watch images, what is their essence, and how should they be solved as interiors? This is how I began to think about the “scenery of gathering.

About the Interior

Looking back, I think we started thinking about the interior and the movie theater by observing the framework of the building. Because it was planned as a commercial tenant in a station building, the structural frame with its columns and beams also supported that large space on an unusual scale. In a movie theater that attracts people of all ages and genders, I thought it would be comfortable for people to feel more familiar with its frame, and I thought it would become a movie theater that would be loved by the public for a long time. Therefore, we created a spatial volume with several dummies so that the structural framework would be as unobtrusive and unassertive as possible, and the visitor’s place would be in close proximity to the framework. The detailed design process was to clothe the volume with a variety of miscellaneous objects.

Movie theaters tend to be dotted with eye-catching advertisements. However, watching a movie is essentially a cultural activity that satisfies intellectual desire and curiosity. It is similar to the way people behave in museums and art galleries. As a result, the advertisers tried to fit the cinema into the volume of a museum like a disciplined exhibition, while imagining a permanent exhibition in a museum, by softly limiting its location in advance.

Facilities for Large-Scale Spaces

We also accommodated the equipment layout unique to large-scale tenants into the spatial interpretation. The ceilings of tenant areas in department stores, which are crowded with air conditioning, lighting, and firefighting equipment, often look a bit cumbersome when viewed from the eye level of the fixtures, giving the impression of a waste of space. Therefore, we layered many necessary facilities layer by layer and fine-tuned them to find the volume of the ceiling, just as we did with the walls and floors. As a result, by treating the building frame, equipment, interior, and advertisements as equivalent, we were able to find a solution that would balance and intertwine them in a volume that would either hide or stand out.

Coloring

For the monochrome movie-like color scheme, we wanted to use white, the brand color of Shochiku’s flagship theater, “Piccadilly,” and black, the color of Kumamoto’s climate, as the color insertions. To achieve this, we created a scheme of “black perforated by white volume” and designed the aforementioned elements to permeate the monochrome landscape.

I expect that the visitors, facilities, and advertising media will be vividly and lively against the jet-black background, and that the pure white space around them will softly emerge as a blank space, but I look forward to seeing the result reflected in the scenery of the museum from today onward.